Живопись

Илья Репин (1844 — 1930)

«Я гляжу в эту минуту на Ваши две фотографические карточки и говорю точно с Вами, а потом припомните, не обещали ли Вы мне чего-то? А обещали посидеть для портрета…»

Знаменитые современники Репина на фото и в живописи: какими были в реальной жизни люди, чьи портреты писал художник.

Наперекор традициям. Топ-15 известных абстракционистов и авангардистов

Абстракционисты покорили многих своим нестандартным видением искусства, потому их произведения и сегодня числятся в списке самых узнаваемых и дорогих. Начнем мы наш список с неординарного художника Казимира Малевича, подарившего миру не только «Черный квадрат» и «Супрематическую композицию», но и сам супрематизм. Неспроста мастер входит в топ-3 русских художников с самыми дорогими картинами, поскольку за его «Супрематическую композицию» заплатили на аукционе 86 млн долларов. Вслед за Малевичем это направление развивали его ученики Александра Экстер, Любовь Попова и Илья Чашник.

К. Малевич. Легендарная картина «Черный квадрат». 1915 г.

А. Экстер. «Пикник на пляже». 1928 г.

Не менее ярко проявили себя в данном направлении и такие представители беспредметной живописи, как отец абстракции Василий Кандинский, разработчики лучизма Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Их полотна также уходили с аукционов за миллионы долларов. Не менее оригинально и востребовано кинетическое искусство Антуана Певзнера и абстрактно-примитивистские полотна Никола де Сталя.

М. Ларионов. «Стекло». 1912 г.

Н. Гончарова. «Портрет Ларионова». 1913 г.

Если абстракционисты предпочитали беспредметную живопись, то авангардисты просто поражали публику своими невероятными формами, красками и отрицанием всех привычных канонов. Так, на картинах одного из самых известных русских авангардистов XX-го века Марка Шагала можно увидеть один и тот же предмет с разных сторон, наложение на одну картину разных времен, идей и перспектив. Эрик Булатов удивляет зрителей своей необычной комбинацией броского текста и самых разных сцен. Кстати, в 2017 году Булатов оказался на втором месте рейтинга InArt самых признанных современных художников России. А картины Павла Челищева сравнивали с живописью Шагала.

М. Шагал. «Я и деревня». 1911 г.

Э. Булатов. «Вход — Входа нет». 1994-1995 гг.

Не менее удивительны работы авангардистов Владимира Баранова-Россине, Сони Делоне и Алексея Моргунова.

С. Делоне. «Певцы фламенко». 1916 г.

Луиза Буржуа

Известность пришла к Луизе Буржуа далеко не сразу. Хотя художница и дружила с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и Марком Ротко, достичь сравнимого с ними уровня известности ей удалось лишь в преклонном возрасте. В начале 1970-х годов работы 60-летней Луизы Буржуа стали популярными на волне интереса к зарождающемуся тогда движению феминистского искусства. Луиза Буржуа всегда выступала за права женщин на художественной сцене. Она говорила: «Художнице никогда не дадут спокойно работать, если она не будет раз за разом доказывать свое право на существование в мире искусства». Уже в 1981 году состоялась ретроспективная выставка художницы в MоMA. В последние 20 лет жизни Луиз Буржуа создавала ставшие ее визитной карточкой рисунки и скульптуры огромных паучих. Для художницы фигура паука была одновременно воплощением детских страхов и напоминанием о матери, ее лучшем друге и защитнице. 

Монахиня из Флоренции Плаутилла Нелли(1524-1588)

Сестра Плаутилла — одна из немногих женщин, имя которых упоминается в культовой книге Джорджо Вазари «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Согласно оценке основоположника искусствознания, она была художницей не только талантливой, но и весьма популярной. Написанные ею лики святых имелись «в домах столь многих благородных флорентийцев, что будет лишним перечислять их всех».

Её достижения покажутся ещё более впечатляющими, если вспомнить о том, что в те времена даже самым талантливым монахиням дозволялось разве что изготавливать иллюстраций к молитвенникам. Вазари подчеркивал, что Нелли обучалась живописи самостоятельно, копируя своих современников Фра Бартоломео и Андреа дель Сарто.

Плаутилла Нелли «Tайная вечеря», фрагмент (1570) / Музей Санта-Мария Новелла, Флоренция

Одна из немногих работ Плаутиллы, дошедших до наших дней, «Тайная вечеря», впечатляет своим масштабом. Это детально проработанное полотно длиной семь метров заслужило всемирную известность. Ведь это единственная работа о последней трапезе Христа, написанная женщиной. В течение долгого времени она хранилась в запасниках и увидела свет после реставрации только в конце 2019 года.

Справедливости ради стоит отметить, что Плаутилла создавала полотно не в одиночку. Она открыла в монастыре полноценную художественную мастерскую, где работала вместе с другими сёстрами. Так что в некотором смысле монахиня из Флоренции символизирует собой собирательный образ всех художниц прошлого, имена которых история искусства не сохранила.

Барбара Лонги «Автопортрет в образе Святой Екатерины Александрийской» (1589) / Художественный музей Равенны

Конная ярмарка.

Исполнитель: Роза Бонер

Год: 1853

Ярмарка лошадей (1853) — Роза Бонер

Роза Бонер, которую часто называют самой знаменитой женщиной-художницей 19-го века, наиболее известна своими рисунками животных. Ее самая известная работа, «Конная ярмарка», рассказывает о конном рынке, проходящем на бульваре Лопитал в Париже. Бонер в течение полутора лет посещала рынок, одетая как мужчина, делая эскизы, из которых она создала этот шедевр. После показа в парижском салоне в 1853 году «Конная ярмарка» была показана по всей Европе и в США; и это принесло Бонер международную известность и признание. Даже королева Виктория высоко оценила картину. Ярмарка лошадей была описана музеем Метрополитен как одно из самых известных произведений искусства.

Марисоль Эскобар

Выросшая между Парижем и Каракасом, художница из богатой семьи венесуэльского происхождения быстро разочаровалась в классической живописи, которую изучала сначала во Франции, а потом в Нью-Йорке. Увлёкшись «примитивной» доколумбовой скульптурой, Эскобар начала работать с традиционными природными материалами — глиной и деревом, однако изображала в них свои впечатления от современности: телевидения, светских вечеринок, творческой интеллигенции, политиков и поп-культуры. Деревянные фигуры скульптор расписывала яркими красками, а также дополняла слепками собственных частей тела и найденными объектами —  чаще всего обувью и одеждой.

После выставки 1958 года в галерее Кастелли от Марисоль сходил с ума весь Нью-Йорк — этому способствовала и её эффектная внешность, и относительно затворнический образ жизни, который придавал образу художницы некоторую загадочность. Хотя Марисоль дружила и с знаменитым абстрактным экспрессионистом Робертом Раушенбергом, и с Энди Уорхолом, она не принадлежала ни к одному из актуальных в то время течений, держалась особняком и периодически пропадала из нью-йоркской тусовки, отправляясь на год-два в Италию или ещё куда-нибудь, где никто не мешал ей заниматься искусством. Окончательно выпав из светской жизни ещё в 1970-х, Марисоль умерла в 2016 году после многих лет забвения — как это часто бывает, наследие художницы в полной мере оценили только после её смерти.

Александра Экстер

Экстер родилась в 1882 году в Гродненской губернии, ее детство и юность прошли в Киеве. Она закончила Киевское художественное училище, где познакомилась среди прочих с Аристархом Лентуловым. Во время учебы Александра выходит замуж за двоюродного брата, адвоката Николая Эстера.

В 1907 году Экстер отправляется в Париж, где посещает парижскую академию Гранд-Шомьер и знакомится с Павлом Пикассо и Гийомом Аполлинером. Художница много путешествует по Европе, выставляется на родине и в парижских Салоне Независимых, а также принимает участие в легендарной выставке «Золотое сечение». 

Александра становится инициатором первых выставок «Современного декоративного искусства» в России. В 1914 году она участвует в «Первой международной футуристической выставке», организованной галереей Джузеппе Спровьере в Риме. Ее работы высоко ценятся во французских модернистских кругах. 

В своих работах она все больше склоняется к абстракционизму. Весной 1915 она принимает участие в радикальной авангардистской выставке «Трамвай В», организованной Казимиром Малевичем в Петрограде. На ней были представлены четырнадцать масштабных кубофутуристических полотен и несколько городских пейзажей — футуристическое видение «Флоренция», «Синтетическое изображение города» и «Парижские бульвары вечером». Тогда же она вступает в объединение «Супремус». 

Александра Экстер «Венеция», 1918 г., Государственная Третьяковская галереяЕе творчество было поистине уникальным — находясь далеко от Москвы, она практически избежала влияния обществ и других художников и выработала свой язык живописи. Она разрабатывает множество композиционных решений, цвета на ее картинах взаимодействуют друг с другом, вопреки принципу супрематизма. 

В 1917 году Экстер открывает собственную студию в Киеве, которая становится настоящим центром авангарда в городе. Тогда же случается ее настоящий триумф в Москве — на выставке «Бубнового валета» два зала полностью заняты ее работами. В 1920 она сбегает в столицу, участвует в конструктивистской выставке «5 × 5 = 25», ее работы представляют в Берлине и на Венецианской биеннале.

Помимо прочего Экстер занимается оформлением спектаклей, книг, создает эскизы для парадной формы Красной армии. В 1924 году она эмигрирует в Париж, где остается до конца своей жизни. Во Франции она сосредотачивается на работе в театре, ее работы продолжают выставляться в разных европейских городах. В 1930-40х Экстер занимается оформлением рукописей. В 1949 году она скончалась под Парижем. 

Горы и море

Исполнитель: Хелен Франкенталер

Год: 1952

Горы и море (1952) — Хелен Франкенталер

Лирическая абстракция — это термин, придуманный для определения искусства, сигнализирующего о возвращении к самовыражению, а не к геометрической абстракции и минимализму. Хелен Франкенталер — одна из самых известных женщин-абстракционистов и выдающийся образец лирической абстракции. «Горы и море», ее первая профессионально выставленная работа, также является ее самой известной живописью и ярким примером лирической абстракции. Это была первая работа, которую она создала, используя свою знаменитую технику замачивания пятен, в которой Хелен вылила разбавленную скипидаром краску на холст, создавая яркие цвета, сливающиеся с холстом.

Автопортрет с терновым ожерельем и колибри

Rtist: Фрида Кало

Год: 1940

Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940) — Фрида Кало

Фрида Кало известна символическим изображением своих физических и психологических ран через автопортреты, и эта картина является ярким примером. В ней на Кало надето терновое ожерелье, и видно, как кровь течет по ранам, нанесенным ее шее шипами. Черная обезьяна и черная кошка присутствуют по левую и правую сторону от нее; и колибри висит безжизненно на терновом ожерелье. Кало отождествила себя с местной культурой Мексики, и это видно на портрете. Черная пантера является символом неудачи и смерти; обезьяна является символом зла; и колибри, которая мертва, является символом свободы и любви. Картина может быть расценена как размещение Кало среди символов колониальных и мужских репрессий. Автопортрет с терновым ожерельем и колибри — один из самых знаменитых шедевров Кало.

Леонардо да Винчи. Великий и могучий.

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Работы этого художника, изобретателя, музыканта, анатома и вообще «универсального человека» удивляют нас до сих пор.

Благодаря его картинам мировая живопись вышла на новый качественный уровень. Он двигался в сторону реализма, постигая законы перспективы и разбираясь в анатомическом строении человека.

Леонардо да Винчи. Витрувианский человек. 1490. Галерея Академии, Венеция.

Идеальные пропорции он изобразил в рисунке «Витрувианский человек». Сегодня он считается одновременно и художественным шедевром, и научным трудом.

Самая же узнаваемая работа гения – «Мона Лиза».

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519. Лувр, Париж.

Здесь мы можем увидеть главное достижение Леонардо в живописи. Сфумато, то есть размытую линию и наложенные тени в виде дымки. Отсюда такой живой образ. И ощущение, что Мона Лиза сейчас заговорит.

Сегодня имя загадочной Джоконды жестоко истреплено карикатурами и интернет-мемами. Но от этого она не стала менее прекрасной.

О работах мастера читайте в статье “5 шедевров Леонардо да Винчи”.

Также читайте о недавно найденном шедевре мастера в статье «Спаситель мира» Леонардо. 5 интересных деталей картины».

Туве Янссон

Иллюстратор, график. Родилась в 1914 году в Финляндии, дочь скульптора. Окончила Колледж искусств в Стокгольме, совершенствовалась в Европе. В 26 лет придумала и нарисовала смешное существо с круглым брюшком и доверчивой мордочкой — Муми-Тролля. В 1938 году написала первую книжку про это существо, его папу, маму, дом и друзей — «Муми-тролль и большое наводнение». В 1949 году вышла «Шляпа волшебника», также проиллюстрированная Янсон, — и мир охватила муми-мания. Создательница муми-троллей всегда утверждала, что она в первую очередь художница и картины значат для неё больше, чем сказки. Янссон расписала мэрию Хельсинки, несколько церквей и общественных зданий.

Помимо перечисленных свой след в истории искусства оставили ещё сотни женщин. В статье не рассказано об Анжелике Кауфман, Софье Дымшиц, Фриде Кало, Софии Ласкариду, Елене Гуро и многих, многих других.

Помните, что творческие способности могут проснуться в самый неожиданный момент, и даже если вам не светит выставка в Салоне или Манеже, живопись облагораживает душу. Окуните ваши кисти!

Царственная Анна Ахматова

Амедео Модильяни знают во всем мире как итальянского художника и скульптора. В России он известен не только своими картинами, но и тем, что у Модильяни был бурный роман с поэтессой Анной Ахматовой. Впервые художник и его муза встретились в парижском кафе «Ротонда». Она была «Царственна!» – вспоминал Модильяни свою первую встречу с Анной Ахматовой. В ту пору 20-летняя Анна приехала в Париж на медовый месяц со своим мужем Николаем Гумилёвым, но это не помешало чувствам Анны и Модильяни. Они провели вместе три романтичных месяца. В маленькой съёмной комнате поэтесса позировала маэстро для его новых картин. Амадео написал 16 карандашных рисунков Ахматовой, однако судьба многих работ остается неизвестной: говорили, что Анна спрятала портреты, желая скрыть свою страстную любовь. Искусствоведам известны только две работы, которые напоминают русскую поэтессу.

Модильяни/Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке

Ахматова вернулась к мужу в Россию. Влюблённые расстались навсегда. Модильяни вскоре увлёкся французской художницей Жанной Эбютерн, которая впоследствии стала его музой на всю жизнь. Он успел написать около 25 ее портретов. В картинах Модильяни она всегда представала в образе задумчивых меланхоличных женщин. «Портрет Жанны Эбютерн в красной косынке» эксперты называют «одной из самых совершенных работ художника».

Жанна Эбютерн была очень привязана к Модильяни. Когда художник разрушал себя наркотиками и алкоголем, Жанна Эбютерн с ужасом наблюдала, как он умирает. На следующий день после того, как Амадео умер, Жанна выбросилась из окна. Ей не было и двадцати двух лет.

3. Винсент Ван Гог

Тяга к живописи проснулась у Винсента Ван Гога довольно поздно. Этот известный голландский художник родился весной 1853 года. В возрасте 16 лет Винсент приступает к торговле произведениями искусства в Гааге. Также он начинает немного рисовать, пытаясь сделать достойные репродукции картин известных авторов. С 1875 года Винсент переезжает в Париж, где его ожидают Люксембургский музей и знаменитый Лувр.

В начале 1878 года Ван Гог начинает работу в должности проповедника в небольшом посёлке южной Бельгии, но очень скоро разочаровывается в религии. Вернувшись в столицу Франции художник за два года буквально впитывает основы импрессионизма и неоимпрессионизма. Затем он с помощью огромных усилий вырабатывает свой собственный уникальный стиль. Новаторство Винсента буквально взрывает Париж!

С конца 1889 года у Ван Гога обостряются психические расстройства, всё чаще случаются припадки сумасшествия и попытки свести счёты с жизнью. Брат Тео забирает его из Парижа и поселяет в небольшой деревне. Летом 1890 Винсент едет в Париж, чтобы встретиться со своим братом. Ровно через три недели после приезда Ван Гог убивает себя выстрелом из револьвера в область груди.

10. Рафаэль Санти

Рафаэль Санти – один из самых известных художников в мире, слава которого началась уже в возрасте 17 лет. А через несколько лет он поступил к Папе Римскому на должность придворного живописца. Молодому Рафаэлю приходилось соревноваться с такими талантами как Микеланджело и Леонардо да Винчи. В мастерстве он им явно проигрывал, но зато всегда доводил свои работы до конца.

В творчестве Рафаэля много картин посвящены изображению Мадонны. Также огромную популярность получили его работы: «Преображение Господне», «Ангел» и прочие. Он также писал портреты, сочинял стихи, расписывал храмы и занимался архитектурой. Он словно пытался сделать всё возможное, предвидя свою смерть в раннем возрасте.

Нравится +12 Не нравится -3Вы уже голосовали

9. Диего Веласкес

Диего Веласкес – известный испанский живописец. Родился он в Севилье в 1599 году и уже с детства проявил хорошие способности к рисованию. Родители всячески поддерживали старания своего сына и нашли для него лучших испанских учителей.

Молодой Веласкес писал преимущественно простых людей. Высокой оценки заслужили его картины «Старая кухарка», «Завтрак» и «Водонос в Севилье». Его полотно «Поклонение волхвов» также вызвало бурный восторг и Веласкес получает должность королевского живописца в Мадриде. Только он теперь может писать личные портреты королевской семьи и самого Филиппа IV. Также в Мадриде художник встречается с Рубенсом, знакомится с творчеством Тициана, да Винчи и Рафаэля. Два года своей жизни он посвящает поездке в Италию и изучению творчества местных авторов. Здесь он пишет известную «Кузницу Вулкана», а также свою лучшую картину «Сдача Бреды». В 1650-х годах художник создаёт ещё одну серию своих бессмертных шедевров: «Вилла Медичи», «Пряхи», «Менины» и известная картина «Венера перед зеркалом».

Мари ЭлизабетЛуиза Виже-Лебрён

Французская портретистка Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрён (или мадам Лебрён) была настолько популярна среди своих современников, что с 15 лет могла на полученные от заказов деньги обеспечивать себя и содержать овдовевшую мать и младшего брата. Художница всегда изображала своих заказчиков в выигрышных позах и элегантных нарядах, благодаря чему (помимо таланта живописца) пользовалась любовью среди французской аристократии. В 1779 году мадам Лебрён написала один из первых портретов молодой Марии-Антуанетты. Позднее она стала одной из приближенных художниц королевы и создала в общей сложности около 30 ее портретов. Вынужденная покинуть Францию в годы революции, Мари Лебрён много путешествовала и провела шесть лет в России, где познакомилась с императрицей Екатериной II. Написать ее портрет художница, однако, не успела — императрица умерла еще до начала выполнения заказа.

Череп коровы: красный, белый и синий

Исполнитель: Джорджия О’Киф

Год: 1931

Коровий череп — красный, белый и синий (1931) — Джорджия О’Киф

Джорджия О’Киф была ведущей фигурой в американском модернизме. Она бросила вызов границам художественного стиля с ее картинами, которые объединили абстракцию и представление. В то время, когда была создана эта знаменитая картина, многие американские художники в различных областях создавали работы на основе американской тематики и создавали для них уникальную американскую идентичность. Вместо того, чтобы представлять преобладающие идеи Америки того времени, О’Киф изображает коровий череп в центре картины с тремя цветами американского флага позади него. С тех пор картина стала типичной иконой американского Запада.

Ники де Сен-Фалль

Франко-американка аристократического происхождения, феминистка и бунтарка Ники де Сен-Фалль прожила максимально богемную жизнь с массой драматических поворотов. Совсем юной она прославилась как модель, мелькнув на обложках всех модных журналов, переехала из Парижа в Нью-Йорк, а потом снова в Париж, где оказалась в психиатрической больнице. Кроме жутких методов вроде «лечения» электрошоком двадцатилетней девушке прописали арт-терапию — так она и обнаружила своё призвание. Девушка начала с экспрессивных коллажей и ассамбляжей, организовала перформанс (возможно, один из первых в истории искусства) с расстрелом ёмкостей с краской, а позже перешла на скульптуру, которая становилась всё монументальнее. Нарочито жизнерадостный и «наивный» стиль де Сен-Фалль — протест против буржуазного искусства и собственной семьи, где за изящным фасадом скрывалось сексуальное насилие и издевательства над детьми.

На протяжении всей жизни Ники де Сен-Фалль дополняла серию скульптур «Nanas»: это жизнерадостные фигуры с мощными формами, напоминающими палеолитических Венер, которые воплощают силу женщин и их способности к творчеству. Опус магнум художницы — «Сад Таро», расположившийся на юге Тосканы; в «Императрице», одной из 22 расположенных там гигантских скульптур, скульптор обустроила свой дом и прожила там около десяти лет.

6. Микеланджело Буонарроти

Микеланджело Буонарроти — один из самых гениальных художников эпохи Возрождения. Он родился в 1475 году в небольшом городке Кьюзи совсем недалеко от Флоренции. Благородное происхождение позволило мальчику общаться со многими выдающимися художниками и учёными того времени. Это общение очень хорошо способствовало развитию юного дарования.

В садах Марка молодой художник вырубил маску фавна, а также сделал рельеф, в котором запечатлел бой Геракла и кентавров. Многие были восхищены этими скульптурами и пророчили Микеланджело большое будущее. Чуть позже он создал известное «Распятие», после которого молодого гения пригласили в Рим. Здесь Микеланджело создал Мадонну, которая держит на руках мёртвого Иисуса Христа, а также изваял мраморную скульптуру Вакха. Они принесли своему автору огромный успех и сделали его одним из самых популярных итальянских ваятелей.

Двадцать два месяца он упорно работал над потолком Сикстинской капеллы и результат его долгой работы равнодушным никого не оставил. Спустя четверть века Микеланджело вновь вернулся сюда, чтобы украсить фресками стену. «Страшный суд» вышел не менее гениальным, но слегка уступал первой картине.

В последние годы Микеланджело оставил живопись и скульптуру, полностью посвятив себя архитектуре. Он заведовал строительством римского храма имени святого Петра, но до конца довести его он не успел. Главный купол по его личному проекту установили уже после смерти Микеланджело.

Российский художник Валерий Кошляков

Валерий Кошляков родился 21 июня, 1962 года в небольшом городке Сальск, Россия (РСФСР). На данный момент современный российский художник живет и работает как в Москве, так и в Париже. Он является одним из самых дорогостоящих художников Российской Федерации, и заслуженно заканчивает нашу десятку рейтинга «Лучшие современные художники мира». Его персональные экспозиции открывались как в Третьяковской галерее, так и замке Франконвиль под Парижем. Кошляков пишет свои картины не только на холсте, но и на картоне, а также на склеенном монтажном скотче. Полотна выполнены в мягком сюрреалистическом стиле и перекликаются с работами художника-импрессиониста Джереми Манна по своей технике воспроизведения. Русская живопись Кошлякова затрагивает различные темы, — от символики СССР, до античной мифологии. Великий художник использует узнаваемые размытые мазки и подтеки краски в своих необычных картинах.

«Исчезновение образа», 2011, холст, темпера, акрил, коллаж
«Городские врата» из серии «Империя», 2004, холст, акрил, смешанная техника
«Полигимния», 2008-2013, холст, акрил, коллаж
«Герб», 2006, масло, холст

Подведем итог

На свете жили тысячи художников. Но лишь единицы смогли стать знаменитыми настолько, что их знает почти каждый житель Земли.

Кто-то из них жил 500 лет назад, как Леонардо, Рафаэль и Босх. А кто-то творил в XX веке, как Пикассо и Дали.

Что их всех объединяет? Они все, каждый по-своему, меняли то время, в котором жили. Как сказал искусствовед Александр Степанов, лишь посредственный художник живет в ногу со своим временем.

Ждём следующего гения такого же масштаба. Может, он уже творит прямо сейчас. Джефф Кунс? Недаром его Надувная Собака была не так давно размещена в Версале. А может, Дэмьен Херст? Или дуэт художников Recycle group? Как думаете?..

Джефф Кунс. “Надувная собачка” на выставке в Версале в 2008 г. Buro247.ru.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.